Mese: Settembre 2020

La SS_2021 Romeo Gigli nasce da una sensibilità autentica, dalla necessità di presentare una proposta diversa dalla collezione tradizionale per formulare un auspicio concreto verso il cambiamento positivo, iniziando dal ritorno alla grande artigianalità italiana e dall’etica della durevolezza.

15 abiti esclusivi, su misura, che sono opera del Made in Italy più pregiato – i capi sono realizzati da laboratori sartoriali d’eccellenza del territorio milanese con sete pure provenienti da Como – e sono pensati senza stagionalità, bensì come un guardaroba prezioso e senza tempo.

FLEURS EN SOIE

“Il fiore è un dono: è un messaggio di speranza, gioia e bellezza, in un momento di buio e sofferenza. La donna che indossa questi abiti indossa un fiore: veste un dono di bellezza per la vita”

L’anima della collezione pone le radici nel momento storico attuale e sboccia in un progetto speciale con al cuore un’alchimia di concretezza e poesia:

Alessandro De Benedetti crea ogni abito con l’intento di adornare le donne in un inno alla femminilità, di attingere ai colori intensi suggeriti dallecorolle per dipingere un messaggio di positività e di formulare con l’eccellenza della confezione a mano l’invito importante a riscoprire il valore dell’alta artigianalità. Per realizzarlo, s’immerge nella fascinazione dei fiori che abitano come spontaneo riferimento iconografico la sua immaginazione, e gli dà forma raccogliendo l’indimenticabile eredità estetica di Romeo Gigli: accoglie la sua predilezione per le prime epoche di stile del Novecento e la evolve spostandola negli anni ’40, dove riscopre nella couture sperimentale di Charles James il buon gusto della sartorialità costruita per costruire, oggi, una nuova eleganza.

Quasi fosse una magia, ogni abito racchiude dai sei ai quindici metri di seta per tramutarla in sculture contemporanee di leggerezza asciutta e perfetta, capolavori d’alta moda che trovano forma concreta nell’amore di Alessandro De Benedetti per la meraviglia che la façon del taglio in sbieco sa regalare: quando il tessuto prende vita sul manichino, ondeggia con raffinatezza sinuosa sul corpo e plasma la stoffa per disegnarci drappeggi e spiragli dalla delicatezza sensuale.

Come un coup-de-théâtre, ogni silhouette è un’opera di armonia tra sofisticatezza e seduzione, dove l’apparenza così composta da sembrare austera riserva tocchi diffusi di maestria stilistica che svelano con elegante sorpresa erotica la pelle nuda.

Abiti gioiello tutti diversi, scanditi dalla suggestione dei colori dei fiori e animati dall’ispirazione che dalle corolle immaginate abbraccia anche la cinematografia.
Ogni abito è personalizzato da un nome e dischiude una storia unica, narrata attraverso un altro amore forte che allaccia De Benedetti allo stile di Romeo Gigli: l’arte sublime dei nodi. Esempio perfetto è Dalia Nera, dove la suggestione del fiore e della protagonista del celebre romanzo lo battezza col nome, mentre il raso lavato rouge noir, tinta che omaggia il colore tanto caro a Romeo Gigli, insieme allo chiffon nero è la materia con cui sono scolpiti drappeggi e plissé: qui, quello che sembra un intreccio sono invece pieghe circolari che si baciano nel centro e proseguono l’abbraccio in un nodo per formare il corpino.

L’opera di intrecci intriganti accade in ogni abito: i nodi diventano macro per far crescere magnifici petali rosa sulla schiena di quella che potrebbe essere la veste di una pittrice; nell’abito Primula aprono fessure sul corpo fino a divenire spille di nudo, dove il vero gioiello è il lavoro a traforo con l’uncinetto sulla seta per creare gocce di pelle; in Sabine s’avvinghiano in un grande torchon, stretti in una corda sensuale che sul retro apre uno spacco che è un vero colpo di scena; il Gardenia Nero custodisce un bouquet di piccoli nodi che suggella la sorpresa sul fondo della schiena rivelata, e orchestra una sinfonia tra sfumature lavanda e bordeaux che prosegue nelle pieghe della gonna, tagliate in modo da creare l’illusione di spighe di lavanda che spuntano dai nodi e ondeggiano al movimento.

Lo stupore creato dallo sbieco magistrale fa il resto: da un macro-triangolo nasce la manica a kimono che a sua volta con un’arricciatura da vita al colletto asimmetrico; dalla seta habutai leggerissima si gonfia morbida la manica a palloncino; col supporto dell’organza interna nasce la manica fatta da canne in raso; ma anche due sole pince possono strutturare una manica asciutta e importante; o può persino accadere che le maniche diventino un grande fiocco astratto fatto di pieghe montate a creare un kimono dedicato al personaggio di Valentina. Quelli che sembrano vezzi di creatività sono invece intuizioni per una maggiore fruibilità: gli abiti hanno pinces elastiche a nido d’ape per offrire una maggiore vestibilità, mentre i guanti, le gorgiere e i braccialetti in chiffon plissettato hanno piccoli bottoni che consentono di staccarli in libertà.

Lo chiffon è materia di leggerezza con cui vestire altre figure affascinanti care all’immaginario cinematografico di De Benedetti: l’abito La Donna Che Visse Due Volte ha la delicatezza algida delle donne di Hitchcock e la perfezione del micro-plissé, Jean Rollin s’ispira alla raffinatezza delle donne vampiro dell’omonimo regista, La Sposa In Nero è la visione di una donna avvolta dal fumo misterioso, lo stesso del colore dello chiffon che la veste.

In un’alternanza emozionale di scene vissute tra l’interno e l’esterno della fastosa costruzione, le donne indossano i modelli della proposta estiva del brand capaci di esaltare il mix inedito da cui prendono vita. Tagli e silhouette precise ed essenziali, giochi di trasparenze, lunghezze definite che enfatizzano il carattere occidentale si piegano ad accogliere le fascinazioni dell’universo orientale racchiuse nel tripudio di ricami, di decori e di stampe, in un incrocio di dettagli ricercati e di inserti sartoriali. 

Su tutto domina il carattere cosmopolita di Milano, con l’eccellenza della sua storia e il rispetto della natura, entrambe portate in primo piano dai movimenti delle modelle riprese da una precisa regia che indugia nelle sale della Palazzina Appiani e nelle aree verdeggianti che la circondano. Un tributo a una città alla quale la stilista del brand è molto legata e alla quale regala una patina cinese inserendo nel film oggetti e tradizioni della sua terra (dalle lanterne ai tappeti rossi, dai giochi di aquiloni all’inconfondibile sagoma dei dragoni) in un crush cinematografico (e di stile) unico.

SS21 COLLECTION

Oriente e occidente si incontrano e si fondono in maniera immaginifica nella collezione di HUI per la primavera estate 2021 che tende all’infinito dello stile, in una sinergia di ispirazioni che nascono dai due poli opposti del mondo e si concretizzano in una signature unica. 

È l’antica tradizione cinese delle lanterne a muovere le fascinazioni stilistiche di un brand che non prescinde dalle sue origini ma che le unisce agli strali del pensiero europeo dando vita a un crush- di modelli, di texture, di decozioni – ricco e contemporaneo.
In primo piano è il carattere artisticamente opulento della collezione che traduce l’ars decorativa dei ricami e delle stampe dal sapore orientale in outfit capaci di rappresentare una femminilità attuale, decisa, intensa.

L’estetica di HUI è sempre raffinata ed elegante, sintesi perfetta di due culture che si attraggono e che si parlano, e viene enfatizzata da dettagli ricercati, come le allacciature evidenti, le bordature a contrasto, gli inserti sartoriali. Senza dimenticare l’essenzialità delle forme e delle silhouette, canovaccio perfetto per permettere alla mano sofisticata e antica di ricami e stampe di esplodere liberamente. 
Una collezione illuminata da una palette di colori decisi che, dal rosso Cina, arriva al peonia, passando per l’energia dell’arancio abbinato al blu navy e all’azzurro polveroso, senza dimenticare il bianco gesso, in una scala di cromatismi che ne enfatizzano il carattere romantico e poetico.

Tisci per Burberry plasma la forma dell’acqua

Panta rei, tutto scorre, diceva Eraclito. E non c’è nulla che meglio dell’acqua esemplifichi questo perenne divenire, questo fluido e tumultuoso processo di rigenerazione costante che determina la mutevolezza transeunte dell’universo. Nella apoteosi della bellezza empirica della natura Riccardo Tisci, talentuoso direttore creativo di Burberry, vede rappresentata l’epifania dell’armonia terrena e il simbolo più vibrante della libertà che finalmente abbiamo riconquistato. Navighiamo a vista in un mare che solo temporaneamente è piatto ma l’estetica organica e seducente di Tisci per Burberry è un porto sicuro. Classe e creatività si combinano con nonchalance in una collezione, quella coed per la primavera-estate 2021, che è un inno alla rinascita della natura e dell’uomo che sappia convivere con essa per un futuro più responsabile e vivibile. Dalle acque sorge una sirena che ondeggia fra i flutti giocando con gli squali come in una onirica favola che getta un ponte fra sabbia e acqua, fra la Gran Bretagna urbana e quella rurale nel segno di una mitologia contemporanea. Nella nuova Atlantide riletta da Tisci, che lo stilista pugliese ha voluto echeggiare con la complicità dell’artista Anne Imhof, un’artista sinonimo delle sue rivoluzionarie performance di resistenza e installazioni, si materializza una collisione tra moda e arte. Come le onde che si infrangono, incontrollate sulla riva, la performance, musicata da Eliza Douglas, presenta un flusso e riflusso di corpi, modelli e artisti come se fossero un’unica cosa – una marea crescente e decrescente di figure che si muovono attraverso lo spazio creato all’interno del fiorente paesaggio inglese. Celebra una simbiosi di natura selvaggia, incontaminata e struttura umana materializzando un immaginario di ninfe e tritoni, le prime accarezzate da pizzi candidi, tulle impalpabili e lievi chiffon, e da bluse stampate nei toni dell’indaco, i secondi vestiti di arancio e di bluette, fra giacche zippate e t-shirt over dalle stampe allegoriche, con capi che rivangano l’iconografia nautica. Nel womenswear prevale una giustapposizione di romanticismo e funzionalità, nel segno di una sofisticata naturalezza che si traduce in abiti arricciati body conscious, in lievi trasparenze che simulano le reti da pesca, in soprabiti tagliati quasi a evocare gli oblò delle navi ai quali si rifà anche con i suoi manici, la nuova borsa must have pocket bag. La sera segna il trionfo di iridescenti texture di cristalli che riproducono le superfici increspate del mare al chiaro di luna in una mistica malia d’estate. La collezione, come al solito riuscita e immaginifica, è un dialogo fra mondi diversi in cui l’acqua campeggia con la sua ancestrale energia espressiva come fattore centrale nello Heritage di Burberry. Il fondatore Thomas Burberry brevettò infatti per i suoi iconici trench il gabardine, un tessuto impermeabile progettato per respingere l’acqua e per proteggere il corpo. Oggi il trench, fulcro del progetto artistico di Tisci chez Burberry, si arricchisce di pannelli in denim, di tagli inediti come cut-out e code di denim a contrasto oppure perde le maniche, quasi sempre abbinato a stivali da pesca gommati. 

A talk with Patrizia D’Anzuoni, costumista scaligera.

Patrizia D’Anzuoni è una costumista che ha collaborato con i più grandi costume designer e registi mondiali. Da sempre molto determinata (Re Giorgio la scartò dall’inserirla all’interno dei suoi negozi come commessa in quanto le disse che avrebbe frenato il suo sogno di realizzare abiti per il teatro), grazie a una grande preparazione culturale e alla sua risolutezza lavora da 30 anni in uno dei più importanti teatri del mondo: la Scala di Milano. Abbiamo avuto l’onore di conversare con lei su come sia evoluto il mestiere di costume designer nel tempo e anche di riflettere sulla moda contemporanea e sui giovani secondo il suo assai influente punto di vista.

Come sono cambiate le esigenze oggi? il costumista come si rivolge oggi nel 2020 nel proporre un bozzetto e soprattutto un figurino per il balletto e l’opera?

 Tutto questo dipende dalle esigenze della regia. Dall’idea che uno ha e che poi sviluppa con scenografo e costumista. Queste componenti portano al prodotto finale dell’idea.  Se torniamo un po’ indietro nel tempo le tipologie e lo sviluppo del costume sono cambiati. Prima c’era una ricerca storica, un elaborato. Si cercava minuziosamente fino i piccoli particolari al fine di rappresentare il periodo storico, il tema  dell’opera che occorreva rappresentare. Oggi non è proprio così. Si fa molto riferimento nel costume design al periodo storico attuale. La moda condiziona l’idea e soprattutto il progetto. Perché? La moda rappresenta il tempo stesso di oggi e si proietta sull’opera, sul filmato, sullo stato sociale di quel momento e del periodo rappresentato. Alcuni costumisti nel corso del tempo arrivano con piccoli schizzi, altri invece portano anche riviste come Vogue, Marie Claire, Glamour. Da lì iniziano a dirti cosa vorrebbero. Poi magari vengono fatte delle modifiche. Il costume di una modella non sempre può essere indossato da un’artista del coro o una solista. Alla base ci deve comunque essere una manualità, un costume dove si può muovere il ballerino. Dipende anche dal tipo di balletto, ma in assoluto il ballerino è movimento. Dipende dalla rappresentazione. Se è un’opera moderna si può anche acquistare presso retailer del mass market oppure se necessita anche acquistare capi e stoffe da cui confezionare l’abito. Questo cambia dalla tipologia di opera e dall’idea del regista. Il regista è fondamentale. 

“Anche i ragazzi di oggi che escono e hanno studiato scenografia e scuola del costume quello che devono fare è  avere l’idea, qualcosa che esca fuori dagli schemi. All’interno di una società come la nostra che è in crisi per una serie di motivi, non occorre abbattersi. Occorre avere una visione, occorre saper cercare la strada giusta. Affiancarsi a persone più esperte di noi significa crearsi un bagaglio. Lavorare come assistente. Nella sartoria. Nell’elaborazione, ossia le tinture.”

“Il costume è cambiato – dichiara Patrizia D’Anzuoni – è al passo con il tempo. Siamo in continua evoluzione, stiamo cambiando. La moda influenza molto il teatro. Rappresenta il quotidiano: alcuni costumisti che sono anche i registi che lavorano sui film, in particolar modo quelli che noi vediamo nelle sale cinematografiche, sono molto attenti a ciò che indossiamo ogni giorno. Il regista Martone ad esempio si rifà al giorno d’oggi e esige che il costumista adotti questa visione. L’opera similmente è maggiormente proiettata al capo del giorno d’oggi. I giovani d’oggi sono molto attenti alle celeb, vogliono emulare i loro look. Oggi c’è un grande mix, la differenza di ceto sociale non è più una prerogativa nella differenza del look. Inoltre si è anche quasi azzerata la differenza tra maschile e femminile. La moda riporta dei canoni, dei clichè di ciò che ha rappresentato. Tornano gli anni Ottanta, Settanta, Novanta. Sfogliando le riviste di oggi ci si rende conto che i trend non esistono più. Si fa riferimento al cultural mix, o per meglio dire, ci si ispira a un determinato periodo storico e ne escono fuori nuovi codici e canoni estetici.”

Il primo mouse a portata di mano della storia lo si deve a Steve Jobs e alla sua Mela, quando la società inizio’ a pensare ad un oggetto di basso costo, di misure contenute, realizzando un prototipo fatto con la pallina di plastica che troviamo nei deodoranti “roll on”; l’ispirazione viene sempre osservando oggetti di uso quotidiano. Un esempio più concettuale lo abbiamo attraverso le sculture del dadaista Marcel Duchamp, con “Ruota di bicicletta”, un’opera d’arte creata da uno sgabello e una ruota, oggetti qualsiasi che vengono firmati e poi esposti al pubblico. Qualcosa di similare avviene anche nella moda, e l’oggetto in questione è una palla da basket, quelle che vediamo rimbalzare sui campi tra le gambe di omoni dalle gambe chilometriche. Che cosa può diventare una palla? Una borsa! Più che dadaista, una trasformazione utile e originale, perchè l’unico brand a realizzarlo è BALLBAG!

Come nasce l’idea di BALLBAG? 

Da un viaggio a Los Angeles, mi innamorai dei colori pink e arancione delle palle da basket e feci due buchi a cui attaccai una tracolla; la voglia di personalizzare accessori e indossare sempre dei pezzi unici ha fatto il resto: tutti per strada mi fermavano per chiedermi dove avessi comprato quella borsa, così mi sono detta “perchè non creare un’intera collezione”!? 

Quanti modelli ci sono di BALLBAG e dove acquistarli?

Sul sito www.bvllbag.com si trovano 27 modelli differenti, per colore, dimensione, stile. Ci sono le classiche palle da basket col baffo di una nota marca, ci sono quelle da football, quelle dei Lakers e di Jordan, ma anche marsupi unisex. Ciascuna è impreziosita dai dettagli in metallo gold, cerniera, fodera interna, manici e tracolla. 
Le dimensioni invece sono tre: MINI, da 15 cm di diametro per il nècessaire della donna; la SMALL di 25 cm di diametro che può contenere un cellulare, chiavi di casa, portadocumenti; la BIG di 35 cm che regala spazio anche ad una trousse rifornita. 

Le borse BALLBAG si trovano anche su depop (https://www.depop.com/bvllbag/ ) e su asos marketplace (https://marketplace.asos.com/boutique/baller-bag ), dove hanno riscontrato un vero successo di vendite sia in Italia che in tutta Europa, America Latina e Nuova Zelanda. 

Le BALLBAG sono customizzabili? 

I modelli sono tanti ma se non si trova la borsa giusta è possibile richiederla su ordinazione, come abbiamo fatto in precedenza con i modelli fatti con palloni da volley o quelli da basket dedicati alla propria squadra del cuore, come la borsa “Lakers”.

Le ballbag sono destinate alle donne che amano distinguersi, che non seguono solo mode e tendenze, ma che scelgono anche in base ai propri gusti non stereotipati.

A quale personaggio ti piacerebbe veder portare una BALLBAG? 

Winnie Harlow e la sua vitiligine, alla cantante spagnola Rosalia, a Nikita Dragun, alla make up artist transgender, alla nostra italiana Elodie, alla loro diversità.

Danzano sul Campidoglio le vestali di Laura Biagiotti

“E’ bello scoprire ritmi di lavoro diversi, più umani di quelli milanesi; questa serata mi ha fatto vedere la mia città con occhi differenti e sono convinta che d’ora in poi nulla sarà più come prima nella moda, è un processo di cambiamento irreversibile. Intendiamoci, amo molto la frenesia di Milano e del grande bailamme della moda, la sua adrenalina talvolta è anche rigenerante, ma forse la dimensione della mia città è più congeniale a me e ai miei collaboratori, anche perché stando qui dove sono nata, posso creare valore per il mio territorio ricco di maestranze artigianali e di eccellenze manifatturiere che vanno rilanciate e potenziate”. Lavinia Biagiotti Cigna, figlia e degna erede di una delle sovrane della moda italiana, Laura Biagiotti, è stanca ma emozionata dopo la suggestiva ed emozionante passerella che si è concessa, la prima in cui viene svelata in esclusiva a Roma la sua collezione, disertando coraggiosamente Milano. Per la prima volta infatti, dopo 55 anni di storia, Laura Biagiotti porta le sue 23 modelle tutte italiane, tranne la super top Anna Cleveland, figlia della leggendaria Pat Cleveland (che ha aperto e chiuso il défilé), nel cuore della Caput Mundi, sulla Piazza rinascimentale per eccellenza, quella Piazza del Campidoglio progettata da Michelangelo che è il fulcro della città eterna e anche la sede del governo municipale. La stessa città in cui Laura Biagiotti, ribattezzata da Bernardine Morris ‘regina del cashmere’ e prima stilista italiana ad approdare in Cina nel 1988 e a Mosca nel 1994, ha deciso di vivere e creare le sue collezioni fin dagli anni’70 insieme al marito Gianni Cigna.

Colta e raffinata mecenate, Laura Biagiotti ha ristrutturato il Castello Marco Simone alla fine degli anni’70 per farne la sua sede e il suo quartier generale ma anche il suo buen retiro. Testa solida e cuore tenero, la ‘dama bianca’ della moda italiana ha saputo tracciare un percorso illuminato di stile e raffinatezza nel segno della nobiltà del cachemire, un itinerario avventuroso volto anche alla valorizzazione della bellezza che ci circonda, partendo da Roma. Qui ha finanziato nel 1999 il restauro della scalinata cordonata del Campidoglio, dei Dioscuri e della fontana di Piazza Farnese. Ora Lavinia, prosegue il retaggio della sua grande mamma, scomparsa nel maggio 2017, finanziando il restauro estetico e funzionale della fontana della dea Roma in Piazza del Campidoglio, un’operazione importante per la città, supportata anche da Banca Intesa che prima della serata ha annunciato nuove iniziative a sostegno della moda italiana ma anche dei suoi giovani virgulti. In scena al tramonto sulla storica Piazza in cui la statua equestre di Marco Aurelio sorveglia sempre vigile le sorti della capitale, scivolano sulle note delle magiche musiche di Ennio Morricone, le eteree creazioni per la primavera-estate 2021 della maison.

Sono abiti lunghi e lievi, plissettati e stampati a pois o con motivi floreali ricamati, sono completi che accostano in modo audace lampi di colori smaglianti a volte inconciliabili come il rosa ciclamino e il verde clorofilla, sono sensuali princesse imprimé a motivi neoclassici in sete impalpabili ma anche tailleur dalle spalle pronunciate ricchi di tasche, perché il comfort é l’arma segreta di ogni donna. Non manca l’iconico abito bambola ‘spazialista’ e mono taglia in taffetas cangiante color melanzana, più corto e frizzante. La novità è una stampa delicata di soggetti neoclassici mutuati dall’iconografia capitolina e applicati con grazia su reticoli di cristalli che irradiano luce e sicurezza.

“Sono abiti con l’anima quelli che sfilano in questa magica cornice, luminosi, confortevoli e fatti per durare, pensati per regalare libertà a chi li indossa; è bello quando qualcuno ti ferma per strada e ti racconta che ancora possiede e indossa un capo disegnato da tua madre, perché significa che quello che facciamo ha un senso, che può durare nel tempo”, dichiara vibrante Lavinia. “Con questo evento, reso possibile anche dal Comune di Roma e dalla sindaca Virginia Raggi (presente all’anteprima stampa dell’evento in Campidoglio nell’aula consiliare n.d.r.), intendiamo ribadire la centralità del genius loci nel nostro percorso futuro perché la nostra rinascita parte proprio dai luoghi che amiamo e in cui viviamo, e dei quali abbiamo il dovere di preservare le eccellenze artistiche e culturali”. Ed è un’ipnotica performance di danza a siglare e coronare questa ideale ‘rinascita’ in Campidoglio della moda italiana alla fine di questa memorabile serata di moda e musica diretta magistralmente da Sergio Salerni.

L’étoile dell’Opera di Roma Eleonora Abbagnato aleggia come una libellula avvolta in seta lamé plissé soleil guidando una schiera di leggiadre vestali che si muovono come sospese in aria sulle note del tema musicale del fim ‘Mission’ creato negli anni’80 da Ennio Morricone, altro pilastro del Made in Italy. Uno scroscio di applausi accoglie nel gran finale dello show la carismatica Anna Cleveland, altra performer in stato di grazia, che volteggia sulla piazza accarezzata da un peplo insostenibile in chiffon avorio. La precede una sposa con un abito che riproduce il sublime disegno della piazza. Esultano nel parterre (solo 100 invitati selezionatissimi) Romina Power e Nancy Brilly, Mara Venier e un’abbagliante Cristina Chiabotto, Massimiliano Rosolino e Milly Carlucci, senza contare Laura Chiatti, ambasciatrice dell’ultimissima fragranza della maison, e le autorità istituzionali: Virgina Raggi, Luigi Abete, Stefano Coletta Direttore di Rai 1 e Pierluigi Monceri direttore regionale di Intesa San Paolo. Un en plein fra fashion e mondanità, perché ciò che conta è ripartire col piede giusto, ed è nella bellezza in fondo che la società può disegnare il suo futuro.